Dos hobbits luchan por destruir el anillo en el Monte del Destino mientras sus amigos luchan desesperadamente contra las fuerzas del malvado Lord Sauron en una batalla final.
CRÍTICA
Algunas personas ven esto como una secuela no oficial de El señor de los anillos de Bakshi , algunos incluso llegan a sugerir que Rankin/Bass se aprovecharon intencionalmente de la película de Rakshi. El momento es definitivamente sorprendente ( El hobbit de Rankin/Bass se estrenó en 1977, El señor de los anillos de Bakshi en 1978 y El retorno del rey , y luego Rankin/Bass regresó con El retorno del rey en 1980), pero para bien o para mal, está bastante claro que esto fue pensado como una secuela de El hobbit . Lo cual es bastante extraño cuando se lo piensa bien.
Pero no es lo único raro de toda esta aventura. No solo pasa por alto o ignora por completo los eventos de los dos primeros tercios de El Señor de los Anillos, sino que pasa casi media hora de su hora y media de duración con Frodo encerrado en Cirith Ungol y Sam simplemente haciendo el tonto afuera. Y hay números musicales largos y serpenteantes a lo largo de toda la película que no solo no agregan mucho, sino que ni siquiera son... buenos números musicales. Está llena de múltiples decisiones creativas incomprensibles que hacen que apenas pueda considerarse una adaptación de El Señor de los Anillos. Sin embargo, a pesar de eso, sigue siendo entrañable.
La decisión de empezar con la captura de Frodo en Barad-dûr y explicar todo hasta ese punto en el preámbulo inicial es una locura y la película nunca se recupera de ello.
Sin embargo, algunas de las melodías son geniales: “Frodo of the nine fingers” y “Where there’s a whip there’s a way”son absolutamente geniales.
Título Original:The Return of the King
Género:Animación, Aventura,Fantasía
Reparto:Orson BeanJohn HustonTheodore Bikel
Dirección:Jules BassArthur Rankin Jr.
Año:1980
Duración:130Mn
País:U.S.A
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:Avi
Formato:MP4
SIPNOSIS
Frodo Bolsón es un hobbit al que su tío Bilbo hace portador del poderoso Anillo Único, capaz de otorgar un poder ilimitado al que la posea, con una finalidad destruirlo para liberar a los habitantes de la Tierra Media.
CRÍTICA
Es la trilogía de Peter Jackson la que primero se nos viene a la cabeza, pero la primera adaptación cinematográfica de la famosa obra El Señor de los Anillos de J.R.R. Tolkien data de 1978 y se trata de una cinta de animación dirigida por Ralph Bakshi que llegó a las salas de cine solo cinco años después de la muerte del autor. Sin embargo, antes de que el largometraje de Bakshi se hiciera realidad, la archifamosa obra de fantasía había sido objeto de cuantiosos intentos de adaptación que no consiguieron dar sus frutos.
Ya en 1938 Walt Disney Studios había tratado de adaptar El Hobbit y mientras que en los años 50 y 60 se produjeron otros intentos sin buenos resultados. El propio Stanley Kubrick consideró la posibilidad de hacerlo junto a The Beatles y, con el paso de los años, trasladar la Tierra Media a la pantalla se consideró tarea imposible.
No obstante, en la década de 1950, una primera adaptación animada de El señor de los anillos estuvo muy cerca de ver la luz. Sin embargo, J.R.R. Tolkien, quien al principio se había mostrado abierto, acabó mostrándose realmente crítico con el guion.
Por supuesto, Tolkien se tomó el tiempo necesario para leer atentamente el guion una vez completado y expresó su opinión a través de varias cartas detalladas en las que no escondió su decepción. En un reciente artículo, Collider recoge algunos de los comentarios del escritor, que llegó a decir que su historia había sido "asesinada".
Según Tolkien, el tratamiento de su obra se había hecho "descuidadamente en general, en algunos lugares imprudentemente y sin signos evidentes de apreciación de lo que se trata" y no dudó en expresar punto por punto lo que le había parecido mal. En total varias decenas de correcciones acompañadas de comentarios que evidenciaban su enfado.
Creo que esto es deplorable en sí mismo, y en algunos lugares impertinente. ¿Podría Zimmerman mostrar un poco de respeto a mi texto, al menos en las descripciones que obviamente son centrales para el tono general y el estilo del libro?
"Diría que Zimmerman [el autor del guión] es incapaz de extraer o adaptar las 'palabras habladas' del libro. Es ansioso, insensible e impertinente", escribió en otra de sus cartas (la número 207), en la que añadía: "No lee. Me parece obvio que planeó sobre El Señor de los Anillos y luego construyó [su guion] a partir de recuerdos parcialmente confusos, con referencias mínimas al original. [...] Estoy muy descontento con la extrema incompetencia de Z[immerman], así como su total falta de respeto por el original".
"Si [Zimmerman] y/u otros [leen mi comentario], pueden sentirse irritados u ofendidos por el tono de mi crítica", admitió en la carta 210. "Si es así, lo siento (aunque no me sorprende). Pero les pediría que hicieran un esfuerzo de imaginación suficiente para comprender la irritación (y en ocasiones el resentimiento) de un autor que descubre, cada vez más a medida que avanza, que su trabajo parece haber sido descuidado en general, en momentos impridentemente, y sin signos evidentes de apreciación".
La primera adaptación de la obra magna de J.R.R. Tolkien finalmente se estrenó inicialmente en 1978 tras haber sufrido un proceso de producción lastrado por recortes presupuestarios y una ambición excesiva por parte del director Ralph Bakshi. Los efectos de esas dificultades se evidencian en el producto final. La narración, que apenas cubre la mitad de la trilogía de Tolkien, es una maraña de personajes inertes que participan en confusas escenas que solo los fans más acérrimos de los libros serán capaces de seguir. Más problemático aún resulta el 'look' de la película, que fue filmada con actores y en escenarios reales y cuyos fotogramas fueron luego coloreados de mala manera.
En los años cincuenta, una nave espacial se estrella contra la Tierra expulsando un peligroso organismo extraterrestre. Un joven ve una extraña luz que procede del lugar y se acerca para comprobar de qué se trata, pero al instante el chico desaparece. Veintisiete años después, dos universitarios roban un cadáver congelado de la facultad de medicina, que resulta ser el del joven desaparecido.
CRÍTICA
El primer trabajo como director de Fred Dekker, Night of the Creeps de 1986 , logró capturar elementos de películas clásicas de serie B como The Blob de 1958 y Night of the Living Dead de 1968 y colocarlos en un mundo de John Hughes de mediados de los años 80. ¡El resultado es una película que nunca deja de emocionar a los fanaticos del genero!
Hablando de finales diferentes, Night of the Creeps tuvo dos finales diferentes. Estaba el final que el estudio utilizó para los lanzamientos en cines y videos caseros. Luego estaba el final original de Fred Dekker que terminó en algunas versiones de televisión de la película y, finalmente, en el lanzamiento de la edición especial en Blu-ray. El final de Dekker es muy superior y dejó la puerta abierta para una secuela que, lamentablemente, nunca fue.
La pasión de Dekker por el género de terror se refleja en su primer esfuerzo como cineasta y esa pasión, junto con el elenco estelar, hizo que Night of the Creeps estuviera unos pasos por encima de las películas de terror promedio de la época.
Lionel, el chico tímido, intenta desesperadamente mantener a raya a sus zombis en el sótano. Incluyendo a su dominante madre, que se ha transformado en el monstruo principal mediante una mutación. Ella sólo tiene un objetivo: proteger a su hijo de los intentos de mujeres atractivas de acercarse a él. Pero incluso un zombie quiere divertirse. En una fiesta disoluta y empapada de alcohol, los asesinos no-muertos aparecen sin ser invitados y celebran hasta que todos los invitados a la fiesta son aniquilados en una orgía de desmembramiento de mal gusto o libre de tabúes. Ahora a Lionel se le está acabando la paciencia: pone en marcha su cortacésped, se lo ata al estómago y, empujando las cuchillas giratorias delante de él, corta brecha tras brecha a través de la masa de zombis enloquecida.
CRÍTICA
La película más sangrienta de todos los tiempos: ¡"Braindead" de Peter Jackson! Sólo en la famosa masacre del cortacésped, se derramaron y rociaron con una manguera la increíble cantidad de 300 litros de sangre falsa, y se rociaron la increíble cantidad de 2.000 litros de sangre falsa a lo largo de toda la película. ¡20 litros de sangre por segundo! ¡¡¡Esto equivale a unos 15 baños de sangre y es un récord absoluto e inigualable en la historia del cine!!! Braindead se rodó en Nueva Zelanda en 1992 por 3 millones de dólares... Esta película es de culto, está mal hecha, ¡pero es una muy buena película! Porque en aquella época no existía la tecnología informática. Precisamente porque la película fue hecha completamente a mano, ¡¡¡se hizo tan bien y por lo tanto tuvo un gran éxito!!!
Título Original:Braindead
Género:Terror, Gore
Reparto:Timothy Balme,Diana Peñalver, Elizabeth Moody
Dirección:Peter Jackson
Año:1992
Duración:144 Mn.
País:Nueva Zelanda
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:Avi
Formato:MP4
SIPNOSIS
Ambientada en Japón durante un año no específico del período Edo , Ogami Ittō, un samurái que sirve al shogun Tokugawa como "Kogi Kaishaku-nin" (verdugo oficial) es el objetivo de una conspiración del clan Yagyu , ideada por el consejero del shogunato Yagyu Bizen, para destituirlo y reemplazarlo por un miembro de su propia familia. Cuando aparecen pruebas que demuestran que está conspirando contra el shogun, un sirviente Yagyu mata a la esposa de Ogami cuando ella intenta intervenir, por lo que Ogami lo mata a él y a los sirvientes que lo acompañan. Ogami es condenado por traición, y el código Bushido requiere que cometa seppuku ; en cambio, desafía las órdenes del shogun Tokugawa y toma la espada con su hijo pequeño contra sus enemigos, decidido a exponer la conspiración Yagyu, lo que finalmente conduce a un duelo final contra Yagyu Retsudo, líder del clan Ura-Yagyu y hermano de Bizen.
CRÍTICA
Wolf and Cub se ha contado muchas veces, pero nunca de esta manera. Protagonizada por el popular Tamura Masakazu como Ogami Itto junto con la leyenda del cine Nakadai Tatsuya como Lord Yagyu Retsudo, finalmente se puede contar la historia completa. Una sensación muy diferente de las versiones anteriores, vemos el ascenso y la caída de la Casa de Ogami mientras el malvado Clan Yagyu conspira contra ellos. En esta historia de amor, honor, odio y venganza, muy bien tejida, se encontrarán muchas sorpresas...que desembocarán en un enfrentamiento sin precedentes.
El lobo solitario y su cachorro ( en japonés :子連れ狼, Hepburn : Kozure Ōkami , «Lobo llevando a su hijo») es una serie de manga japonesa creada por el escritor Kazuo Koike y el artista Goseki Kojima . Fue serializada enla revista de manga seinen de Futabasha , Weekly Manga Action, desde septiembre de 1970 hasta abril de 1976, con sus capítulos recopilados en 28 volúmenes tankōbon . La historia fue adaptada en seis películas protagonizadas por Tomisaburo Wakayama , cuatro obras de teatro y una serie de televisión protagonizada por Kinnosuke Yorozuya , y es ampliamente reconocida como una de las obras importantes e influyentes de Cine Japones.
En el año 1997 el avión del presidente de los Estados Unidos es secuestrado por un grupo radical. Sin embargo, los pasajeros consiguen sobrevivir y se encuentran solos en las calles de Nueva York, donde Manhattan se ha convertido en una prisión de alta seguridad. Para rescatar al presidente se debe enviar a un agente secreto. El elegido es un conocido ex condecorado soldado convicto y mas tarde ladron al que todos daban por muerto Apodado Snake.
CRÍTICA
Con un parche de pirata en el ojo y un ceño fruncido que parece tan fijo y enigmático como la sonrisa de la Mona Lisa, Snake Plissken, el héroe de Escape from New York de John Carpenter, se desplaza a través de un futuro cataclísmico como un hombre condenado, obligado a una misión que, en el mejor de los casos, podría salvar un mundo que de todos modos no le importa. Las alianzas que forja a lo largo del camino son duras de ganar, pero solo temporales, rápidamente descartadas mientras sobrevive a una misión y mira hacia otra. También desconfía profundamente de la autoridad, desde el benefactor hipócrita que lo obliga a pasar por un desafío imposible hasta un presidente distante que lo desprecia abiertamente a él y a otros como él.
En otras palabras, Snake Plissken es John Carpenter, y Escape from New York fue la primera de tres películas de los años 80 en las que Kurt Russell sería su carismático doble: un iconoclasta que no tenía un hogar en el nuevo Hollywood, sino que se instalaría en sus márgenes. Mientras Plissken corre y dispara a través de un Manhattan que se ha convertido en una prisión de máxima seguridad, es fácil imaginarla como una alegoría de una producción cinematográfica, donde Carpenter se abre camino a través de un trabajo imposible con la ayuda de compañeros holgazanes que tendrá que dejar atrás al final. Si sobrevive, le espera el siguiente desafío.
En ese momento, no habría sido posible adivinar el arco que seguiría la carrera de Carpenter durante los años 80, aparte de tener fe en que el maestro del género independiente responsable de Assault On Precinct 13, Halloween y The Fog mantendría su buena racha. . Pero 40 años después, Escape from New York parece el comienzo de una historia que él (y ocasionalmente Russell) contaría sobre una década en la que nunca encajó cómodamente en el sistema de Hollywood ni en el cambiante clima político. Sería la última de sus películas independientes hasta The Ward en 2010, pero rara vez sintió que Carpenter estuviera trabajando para alguien más que para él mismo, incluso cuando tuvo que descifrar qué es lo que los estudios y el público moderno podrían querer de él.
En el período previo a Escape from New York, las tasas de criminalidad estaban en su punto más alto en centros urbanos como Nueva York, lo que los cinéfilos podían ver reflejado en ellos a través del lúgubre hiperrealismo de películas como Taxi Driver y The Warriors o forraje de grindhouse como Maniac Cop y The Driller Killer. Al mismo tiempo, Carpenter, que había escrito el guión a mediados de los años 70, se estaba sumergiendo en la ira y la desilusión en torno a Watergate y la guerra de Vietnam, lo que confirmaba su propia desconfianza instintiva hacia cualquiera que estuviera en el poder. No se volvería abiertamente político hasta They Live de 1988, con sus disparos satíricos a la era Reagan, pero esta película estaba informada por un pesimismo vigorizante sobre el presente y el futuro de Estados Unidos.
Enviado a Manhattan por intentar robar la Reserva Federal (el crimen más noble de este sistema corrupto), a Plissken se le ofrece una remota posibilidad de salir. De camino a una cumbre de paz, el Air Force One fue secuestrado y estrellado contra un edificio inquietantemente cerca del World Trade Center. El presidente (Donald Pleasance) ha logrado escapar en una cápsula y está cautivo del Duque (Issac Hayes), el jefe criminal no oficial de Nueva York. El comisario de policía, interpretado por el legendario Lee Van Cleef (el “Malo” en El bueno, el feo y el malo), ofrece a Plissken un perdón total si puede rescatar al presidente en un plazo de 24 horas. Y sí se refiere a 24 horas: se introducen en el cuerpo de Plissken dos cápsulas que explotarán si no cumple el plazo.
Escape from New York termina con una broma nihilista en la que nuestro héroe prepara a un presidente insensible para avergonzarlo en el escenario internacional. No puede cambiar el mundo, pero puede señalarlo con el dedo medio. Una vez más, Carpenter no es diferente de Plissken. Todo lo que puede hacer es terminar el trabajo y pasar a la siguiente aventura.
Título Original:Escape from New York
Género:Aventura ,Acción,ciencia Ficción, Dystopia
Reparto:Kurt Russell,Lee Van Cleef,Ernest Borgnine
Dirección:John Carpenter
Año:1997
Duración:90Mn.
País:Estados Unidos
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:Avi
Formato:MP4
SIPNOSIS
Un hobbit hogareño en la Tierra Media es convencido de unirse a una búsqueda con un grupo de enanos para recuperar el tesoro de un dragón.Sacado de su cómodo hogar por Gandalf y una banda de enanos, Bilbo se encuentra de pronto en medio de una conspiración que pretende apoderarse del tesoro de Smaug el Magnífico, un enorme y muy peligroso dragón.
CRÍTICA
El hobbit es un telefilme de dibujos animados estadounidense basada en la novela homónima del escritor británico J. R. R. Tolkien. Fue emitido por primera vez por la NBC el 27 de noviembre de 1977, tres días antes del Día de Acción de Gracias. La producción corrió a cargo de la Rankin/Bass, y sus dueños, Jules Bass y Arthur Rankin Jr., actuaron como productores y directores. Su guion adaptado, basado en la novela mencionada, fue escrito por Romeo Muller.
El diseño de producción del filme está acreditado para Arthur Rankin Jr., quien ha declarado que su parte gráfica es tributaria de las primeras ilustraciones de Arthur Rackham.
Resulta interesante mencionar la existencia de la película animada titulada El retorno del Rey, de 1980, que se presentó en su momento como continuación de ésta (El hobbit 2). En ella se narran los hechos de El retorno del Rey, tras un resumen ultracorto de los dos primeros tomos de El Señor de los Anillos (La Comunidad del Anillo y Las dos torres), todo ello desde la particular óptica de Frodo Bolsón.
Título Original:The Hobbit
Género:Aventura ,Animación
Reparto:Orson Bean,John Huston,Theodore Gottlieb
Direccion:Jules BassArthur Rankin Jr.
Año:1977
Duración:67Mn.
País:Estados Unidos
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:Avi
Formato:MP4
SIPNOSIS
La princesa Yuki Akizuki se adentra en territorio enemigo donde pretende reconstruir su reino con la ayuda del oro que oculta en su carromato. A la princesa la secunda su fiel general Rokurota Makabe, quien se hace pasar por un granjero mudo. Dos torpes campesinos, Tahei y Matashichi se toparán con ellos y les echarán una mano, en espera de ser recompensados con alguna pieza de oro por sus servicios.
CRÍTICA
Sin ser una de las películas más famosas del director, el gran Akira Kurosawa (''Ran''), ''La fortaleza infernal'' sí es una de las más divertidas y ligeras. Además, tiene la curiosidad de ser una de las fuentes de inspiración reconocidas por George Lucas para su guión de ''La guerra de las galaxias''.
Ahora bien, rehacer o actualizar un clásico de Akira Kurosawa es una propuesta arriesgada y, según algunos, totalmente descabellada, y no hace falta decir que esta nueva versión de la tan querida "La fortaleza oculta" de Kurosawa no se acerca a la magia de la original, esta actualización moderna no es mala. De hecho, con sus efectos visuales elegantes, su presupuesto considerable y su elenco agradable, es muy divertida.
Vale, "La última princesa" no conserva exactamente la sutileza o la definición de los personajes de la película de Kurosawa: se trata de una película de gran éxito de taquilla y es ruidosa y orgullosa. No quiere decir que sus personajes no estén bien dibujados, ya que el cuarteto de héroes ofrece un grupo atractivo y agradable para que el espectador lo conozca a medida que avanza su viaje. Elegir a un miembro de una banda de chicos japonesa como uno de los protagonistas (Jun Matsumoto como Takezo) puede no ser la elección más inteligente para una nueva versión de Kurosawa, pero él y el resto del reparto, incluido un Hiroshi Abe (Chocolate) necesariamente duro y brusco como el sensato Rokurota, se esfuerzan bien. El director Shinji Higuchi (Sinking of Japan), a pesar de recubrir los procedimientos con un aspecto visual elegante, se las arregla para conservar bastante áspera con los héroes adecuadamente sucios y oprimidos y los villanos crueles y agradablemente abucheados. También orquesta un caos impresionante y acción samurái en el tramo final, aunque la película podría haber mejorado con un par de momentos más de acción y un poco menos de gritos y muecas por parte de algunos miembros del elenco secundario.
Todo avanza a buen ritmo y la película tiene un aire encantador y sencillo de película de acción y fantasía de los años 80, lo que la convierte en una experiencia mucho más agradable de lo que uno podría esperar. Sin duda, muchos no podrán superar el hecho de que se trate de un remake de un clásico de Kurosawa (y su película, por supuesto, sigue siendo la mejor versión) y se sentirán mortificados por el uso de efectos especiales y chorros de sangre excesivos en algunas escenas, pero por derecho propio, 'La última princesa' es una aventura de acción agradable y atractiva.
El gobierno japonés captura a una clase de secundaria y los obliga a matarse unos a otros bajo el revolucionario acto "Battle Royale".Cuarenta y dos estudiantes de noveno grado son enviados a una isla desértica. Ellos reciben un mapa, comida, y varias armas. Un collar explosivo le es colocado alrededor de su cuello. Si ellos rompen una regla, el collar explota. Su misión es matarse entre ellos y ser el último en sobrevivir. Esa persona puede dejar la isla. Si hay más de uno vivo, los collares explotan y los matan a todos.
CRÍTICA
En el año 2000, Battle Royale volvió a poner el foco en las películas japonesas. Desde que Rashômon abrió los ojos al mundo del cine japonés a principios de los años 50, ninguna película japonesa había causado tanto revuelo en la comunidad cinematográfica internacional.
Battle Royale se basó en una novela de Koushun Takami que rápidamente se convirtió en una sensación en toda la nación japonesa. No pasó más de un año antes de que se serializara como manga. Luego vino la película, que convirtió a Battle Royale en un fenómeno internacional.
La historia y el tema fueron controvertidos desde el principio, lo que presentó a Takami algunos obstáculos al lanzar su carrera como escritor. Pero las voces conservadoras no pudieron silenciar por mucho tiempo el ataque del entretenimiento adolescente homicida.
A Kinji Fukasaki no le tomó más de un año y medio convertir las travesuras ultraviolentas de la novela en un evento cinematográfico de proporciones sorprendentes. El Battle Royale había llegado para quedarse. Pronto, generó todo un género que se extendió a películas, series de televisión, juegos y más.
Decir que es un clásico es exagerado, pero no se puede negar que Battle Royale de Fukasaku fue una película importante. Sin ella, tal vez nunca hubiéramos presenciado el auge de las películas japonesas más sensacionales como Tokyo Gore Police, la trilogía de Los juegos del hambre o las películas de videojuegos más sensacionales como Apex Legends y Fortnite.
Titulo Original: Batoru rowaiaru
Género:Aventura ,Acción, Drama
Reparto:Tatsuya Fujiwara, Aki Maeda, Tarô Yamamoto, Chiaki Kuriyama, Takeshi Kitano
Direccion:Kinji Fukasaku
Año:2000
Duración:110Mn.
País:Japón
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:Avi
Formato:MP4
SIPNOSIS
La historia presenta a Makoto Konno, una estudiante de secundaria que pasa la mayoría del tiempo con sus amigos de instituto, Chiaki Mamiya y Kousuke Tsuda tanto en las clases como fuera de ellas, sobre todo jugando al béisbol ya que están a punto de pasar de curso y tal vez no se vean tan a menudo. Todo cambia el día en que Makoto descubre accidentalmente que puede saltar en el tiempo, concretamente a un punto del pasado. De esta manera usa esta habilidad en su propio beneficio sin preocuparse de futuras consecuencias, ya que los cambios que a ella le parecen buenos acaban por repercutir negativamente en su futuro.
CRÍTICA
Vale la pena señalar que Akari es la hija del protagonista de la película original de TokiKake, Yoshiyama Kazuko, y que la película de anime Toki wo Kakeru Shoujo (2006) sólo está ligeramente relacionada con Time Traveller. Time Traveler rinde homenaje a sus predecesores en algunas escenas, la película de anime de 2006 es muy recomendable.Time Traveler nos ofrece algunos momentos clave y conmovedores que son bien ejecutados tanto por el elenco como por el director. No llorarás a lágrima viva en esta película, pero definitivamente saldrás del cine (o de la televisión, del monitor de la computadora, de la pantalla del iPod, de cualquier cosa que te haga flotar) sintiéndote renovado y satisfecho al saber que esos hilos del corazón han sido tocados suavemente.
Titulo Original:Toki o kakeru shôjo
Género:Aventura ,Ciencia Ficción
Reparto:Riisa Naka,Akiyoshi Nakao,Munetaka Aoki
Direccion:Masaaki Taniguchi
Año:2010
Duración:120Mn.
País:Japón
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:Avi
Formato:MP4
SIPNOSIS
Una mirada al rápido ascenso y la influencia del controvertido grupo religioso conocido como El Templo Satánico.Hail Satan? es un documental estadounidense de 2019 sobre El Templo Satánico, el cual incluye sus orígenes y la base de su activismo político. Dirigida por Penny Lane, la película se estrenó en el Sundance Film Festival 2019 y en los Estados Unidos el 19 de abril de 2019, distribuida por Magnolia Pictures
CRÍTICA
Cuando se escribe la Biblia sobre los grandes trolls de la historia, el Templo Satánico debería estar en la portada. Fundada en 2013 como una provocación al conservadurismo religioso, la organización se ha transformado desde entonces en un movimiento espiritual totalmente sincero, que defiende los principios de la no violencia, el pluralismo religioso, la investigación científica, la libertad individual y la indumentaria de Dungeons & Dragons . Hasta la fecha, el templo ha atraído a miles de miembros en todo el mundo, personas que se consideran marginadas desilusionadas por la espiritualidad tradicional pero que siguen buscando un sentido de comunidad y un propósito en sus vidas. Al igual que el mormonismo antes que él, el satanismo se ha convertido en una religión claramente estadounidense
Hail Satan? es un entretenido documental sobre las hazañas del Templo Satánico, de la directora Penny Lane, que se ha convertido en una de las principales cronistas de la bizarra cultura americana.
Titulo Original:Hail Satan?
Género:Documental, Satanismo
Reparto:Jex BlackmoreChalice BlytheNicholas Crowe
Direccion:Penny Lane
Año:2019
Duración:135mn
País:Estados Unidos
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:BDRip
Formato:MP4
SIPNOSIS
Es el año 2044 y la raza humana ha llegado a las estrellas a través del milagro de la Robotecnología, pero no sin traer una guerra intergaláctica a la Tierra misma. Lancer (voz de Cam Clarke), un piloto experto, es un veterano de las Guerras Robotech. La película analiza en profundidad la carrera militar de Lancer, desde su tiempo sirviendo con Scott Bernard (Gregory Snegoff) hasta la misión que emprende con el almirante Rick Hunter (Tony Oliver) para intentar derrotar a la raza enemiga Invid de una vez por todas. ¿Qué le depara el futuro a Lancer?
CRÍTICA
Después del lanzamiento de Robotech: The Shadow Chronicles en 2007, las esperanzas para el futuro de Robotech volvieron a estar en duda. Famoso por haber estancado los intentos de reavivar la franquicia, se suponía que The Shadow Chronicles conduciría a una secuela que nunca se materializó. Esto se atribuyó al desarrollo continuo de la película de acción real de Robotech en Warner Bros., lo que significaba que cualquier película animada de Robotech sería casi imposible de hacer.
“Fue necesario hablar mucho. Muchas llamadas telefónicas y muchos correos electrónicos” para fabricar cualquier cosa de Robotech nueva , recuerda Billy Davis, vicepresidente ejecutivo de Harmony Gold.
Luego, en 2011, se adelantó un nuevo proyecto al final de las características adicionales de la caja de DVD de la serie completa de 2011, Robotech: Love Live Alive . A diferencia de Shadow Chronicles , que presentaba animaciones completamente nuevas, Love Live Alive volvería a las raíces de Robotech al adaptar imágenes de una serie japonesa con un poco de animación nueva.
En concreto, esta película adaptaría un OVA (Original Video Animation) de Genesis Climber Mospeada , la fuente de la Nueva Generación de Robotech . La adaptación del OVA (también titulado Love Live Alive ) era un proyecto en el que Carl Macek, el creador de Robotech , había planeado trabajar antes de su muerte en 2010.
Una versión Robotech de Love Live Alive había tenido una gran demanda por parte de los fanáticos durante mucho tiempo, como recuerda Kevin McKeever, vicepresidente de marketing de Harmony Gold.
“Muchos fans en convenciones y en correos electrónicos preguntaron: '¿Cuándo veremos Love Live Alive?' Eso fue algo que nos preguntaron constantemente desde 2005”, dice McKeever. "Sabíamos que había una demanda allí".
El equipo de Harmony Gold se enteró de que Mospeada OVA nunca había obtenido la licencia por una razón muy comprensible. Fue principalmente una muestra de videos musicales unidos con un poco de animación nueva.
Tommy Yune, presidente de animación en Harmony Gold, conto el proceso para descubrir qué podían hacer con el OVA y revelo que no siempre fue su plan hacer de Love Live Alive una película de larga duración, ya que el OVA en sí solo dura alrededor de cincuenta y cinco minutos.
"Al principio pensamos que estaba bien, tal vez podríamos simplemente seguir (el formato del OVA), pero si lo siguiéramos tal como está no habría mucho contenido", dice Yune. "Así que lo que hicimos fue contratar más animación y agregarla a la película)".
Esta nueva animación incluyó un flashback del Lancer de la Nueva Generación defendiendo la Tierra junto con una breve aparición de Dana Sterling, personaje principal de la saga The Masters de Robotech . Esto fue particularmente notable para los fanáticos, ya que la saga The Masters y los personajes han sido bastante desatendidos en cualquier intento de traer de vuelta a Robotech .
En el camino, Harmony Gold reestructuró el estilo del especial y eliminó el aspecto del video musical.
"Contratamos a uno de los escritores principales de la serie original de Robotech, Greg Snegoff, para adaptarla", dice Yune. "Hizo un buen trabajo y ahora contaba la historia de Lancer en lugar de ser solo videos musicales sueltos".
Tommy Yune también agrega que esta no era la primera vez que esto sucedía con Robotech , señalando los episodios del clip "Gloval's Report" y "Dana'a Story" de la serie original.
“El Informe de Gloval era un programa de clips que habían montado los japoneses”, dice Yune. “Estaba a mitad de camino de la saga de Macross y era para que la gente se pusiera al día con la historia. Sin embargo, la historia de Dana la hizo Carl Macek y era para los fans que se habían perdido aún más episodios y se sumaron a la saga de Masters”.
Incluso con la naturaleza del clip de la película, el equipo intentó introducir algo nuevo en el universo de Robotech . Al final de la película se reveló que los antiguos enemigos Sera y Lancer estaban esperando un bebé. Esto explica por qué Lancer no estaba presente en la trama de Shadow Chronicles , que muchos fans habían cuestionado.
Mirando hacia atrás en la película en general, Tommy Yune admite que Robotech: Love Live Alive tenía un alcance mucho menor que Robotech: The Shadow Chronicles , pero "los fanáticos pudieron ver el giro de Robotech en Love Live Alive y a muchos fanáticos les gustó".
Título Original:Circle of Iron
Género:acción, aventura,Animación
Reparto:Frank Catalano,Cam Clarke,Richard Epcar.
Direccion:Gregory Snegoff
Año:2013
Duración:129mn
País:Estados Unidos
Idioma:Subtítulos Español
Calidad Imagen:DVDRip
Formato:AVI
SIPNOSIS
Cuando el joven artista marcial Cord The Seeker (Cooper) pierde una competencia que le dará el derecho a luchar contra el gran mago Zetan, que guarda el libro de todo conocimiento, decide ignorar las advertencias y emprender la búsqueda de todos modos. En el camino, tendrá que emprender varias tareas extrañas que le lanzarán tanto aliados como enemigos y que pondrán a prueba su cerebro y su fuerza. Afortunadamente, se encuentra con un pastor ciego (Carradine) que no solo está lleno de conocimientos sobre el viaje, sino que también es un luchador muy capaz. Cord decide aprender del hombre que cree que podría poseer la sabiduría que le permitirá completar su búsqueda.
CRITICA
'Circle Of Iron' se basa en una historia escrita por Bruce Lee, James Coburn y Stirling Silliphant titulada 'The Silent Flute', y se suponía que sería el vehículo decisivo para la carrera internacional de Lee. Lamentablemente, el proyecto nunca llegó a buen término y, tras el prematuro fallecimiento de Lee, el actor David Carradine finalmente se hizo con los derechos. Después de que se reescribieron varias secciones del guión para darle un toque más cómico, Carradine una vez más eligió asumir un papel que originalmente estaba destinado a Bruce Lee.
Aunque la idea esencial detrás de 'Circle Of Iron' era que sería una lección de filosofía oriental y artes marciales, está claro que el producto final está lejos de ser lo que Lee había imaginado originalmente. En cambio, se trata más de una aventura de fantasía que se acerca más a películas como 'Conan el Bárbaro' que a las enseñanzas de Buda. Sin embargo, esto no es necesariamente algo malo, ya que la película exhibe ese valor de entretenimiento kitsch que infundió el cine de acción de Hollywood de los años 70 y 80, además de presumir de una sólida actuación protagonista de David Carradine (que desempeña de manera impresionante cuatro papeles) y algunos paisajes bellamente filmados en una serie de suntuosas ubicaciones desérticas.
Puede que no sea una perspectiva tan emocionante como podría haber sido con Bruce Lee en el papel principal, pero 'Circle Of Iron' aún conserva muchas cualidades agradables. Si eres fan de David Carradine o buscas un poco de nostalgia similar a 'Kung Fu', entonces 'Circle Of Iron' sin duda toca todas las notas correctas.
Eun Sik es un estudiante de primer año de veintiocho años que acaba de comenzar su carrera universitaria y pronto se distrae con Eun Hyo, una de las chicas más bonitas del campus. Eun Sik tiene muchas esperanzas, pero cada vez que ella pasa por allí, inevitablemente lo pilla haciendo algo completamente repulsivo a sus ojos, como pasear al perro solo o lamer una foto de una mujer desnuda. Este tipo de comportamiento rara vez le consigue a un chico la chica que quiere, y Eun Sik lo aprende por las malas.
Muy pronto, sus menguantes esperanzas se ven completamente destrozadas cuando Eun Hyo empieza a salir con uno de los chicos más populares de la escuela. Los dos se llevan tan bien como era de esperar, pero Eun Hyo prueba la realidad cuando uno de sus encuentros románticos termina en un embarazo completamente inesperado e igualmente no deseado. Decide abortar, y durante este tiempo su guapo novio no aparece por ningún lado, dejando solo al nerd y torpe Eun Sik allí para brindarle apoyo moral durante lo que debe ser un momento bastante difícil en la vida de cualquier mujer, independientemente de las circunstancias.Una vez que haya superado la terrible experiencia y comience a recuperar su vida, Eun Sik piensa que lo dejará como lo hizo la primera vez, ya sea para volver con el chico más popular a pesar del hecho de que la trató como si no fuera nada durante el momento en que más lo necesitaba, o para encontrar a otro chico más atractivo y popular con quien salir, pero Eun Hyo comienza a ver a Eun Sik bajo una luz diferente una vez que le demuestra que realmente se preocupa por ella.
CRÍTICA
Cualquiera que haya visto Porkys o The Last American Virgin, o películas más recientes como las películas de American Pie, sabrá exactamente hacia dónde se dirige esto incluso antes de que suceda. Los chistes son muy predecibles, completamente groseros y totalmente estúpidos. Los personajes son clichés y la trama es sorprendentemente moralista cuando aparecen los créditos finales. Sin embargo, incluso con todo eso en su contra, Sex Is Zero resulta ser una película divertida para matar el tiempo. Solo el tiempo dirá qué tan bien envejece (obviamente, algunas comedias de sexo adolescente envejecen mejor que otras) y hay muy poco aquí que la identifique como una parte del cine coreano en lugar de una imitación de algunas de las exportaciones más populares de Hollywood, pero es una película muy divertida de todos modos.
Los chistes groseros completamente esperados vienen volando hacia ti rápido y furioso durante la primera parte de la película, introduciendo pequeños fragmentos del desarrollo de los personajes a medida que avanzamos para asegurar que al menos te preocupes un poco por los dos protagonistas para cuando lleguen los momentos más difíciles. juega y funciona. Si bien no sentirás que nadie aquí es un amigo o un conocido, no odiarás a nadie a quien se supone que no debes odiar (aunque a veces Eun Hyo parece algo cruel) y te gustará la los que se supone que te gustan. Es suficiente para que la película funcione. Algunos de los chistes asquerosos son completamente exagerados (la escena del huevo frito, por ejemplo) y completamente estúpidos, pero es difícil no reírse de ellos incluso si sabes que son juveniles y estúpidos. El resultado final es que no importa cuán juvenil o estúpido sea todo a veces, es divertido y es fácil dejarse llevar y simplemente reírse como el niño de doce años que todavía vive dentro de ti, lo quieras o no.
Una de las mejores comedias para adultos exportadas desde Corea del sur sin parecerse en casi nada a el cine coreano tradicional.Bien actuada y con momentos realmente divertidos.Esta podría ser una de las pocas películas en las que el protagonista masculino ha llorado más que la protagonista femenina.Muy recomendable.
Titulo Original:Saek-jeuk-shi-gong
Género:Drama, Comedia,Romance
Reparto:Chang Jung LimHa Ji-WonChoi Seong-guk
Direccion:JK Youn
Año:2002
Duración:136 mn
País:Korea Del Sur
Idioma:Subtitulos Español
Calidad Imagen: DVDRip
Formato:avi
SIPNOSIS
Una plaga mortal azotó el planeta Tierra a mediados del siglo XIX, matando a la mayoría de las personas o convirtiéndolas en criaturas grotescas que habitan en la oscuridad. Durante estos tiempos difíciles, el Dr. Robert Morgan sobrevive milagrosamente solo. Un día, encuentra accidentalmente a una niña llamada Ruth. ¿Podría este encuentro ser un rayo de esperanza en la oscuridad?
CRÍTICA
El último hombre sobre la Tierra es Una película post-apocalíptica reflexiva y absorbente que tiene alma."El último hombre en la Tierra está basada en la novela clásica de Richard Mathes, "Soy leyenda".
Sin duda, es el antecesor de películas postapocalípticas como "La noche de los muertos vivientes" (1968), "Omega Man" (1971), "El día de los muertos" (1985), "28 días después" (2002) y "Soy leyenda" (2007)
El guión de la película fue escrito en parte por Matheson, pero al no estar satisfecho con el resultado, decidió ser acreditado como "Logan Swanson", mientras que William Leicester, Furio M. Monetti y Ubaldo Ragona completaban el guión.
El último hombre en la Tierra se rodó en Roma con un reparto y un equipo predominantemente italianos, y las escenas se completaron en la Esposizione Universale Roma.
Vincent Price transmite eficazmente el terror y la desesperación de ser el último hombre vivo en la Tierra y ofrece una actuación conmovedora y poderosa como un individuo aislado que está siendo continuamente amenazado y asediado por hordas de zombies mientras tiene que lidiar con su propia mente espiritual y mental. y aislamiento físico. Este personaje es menos un héroe de acción que un científico que lucha por resolver un dilema personal y global. No sería demasiado exagerado sugerir que esto podría ser una de las mejores actuaciones en la pantalla de Price.
La película y su tema son muy familiares cuando se ven desde la perspectiva de la actual pandemia de Covid. Esto es particularmente cierto cuando somos testigos de las escenas que involucran la aparición de un nuevo virus, el desmoronamiento de la vida normal, la razón y el pensamiento en todo el mundo, el traslado de cadáveres envueltos en lonas con destino a un foso, el efecto en las relaciones humanas y la sociedad y la lucha por encontrar una cura.
Las limitaciones de bajo presupuesto no parecen restablecer la eficacia de la película. De hecho, las escenas que muestran calles vacías y una ciudad desierta, todas filmadas en blanco y negro, se combinan para darle una atmósfera sombría, inquietante y espeluznante.
Título Original:The Last Man on Earth
Género:Drama. Terror, Ciencia Ficción
Reparto:Vincent Price,Franca Bettoia,Emma Danieli
Dirección:Ubaldo RagonaSidney Salkow
Año:1964
Duración:120 mn
País:Estados Unidos
Idioma: Español
Calidad Imagen: DVDRip
Formato:AVI
SIPNOSIS
En la pequeña ciudad de Desert Rock, en Arizona, el médico de cabecera local Matthew Hastings se pregunta por la muerte del científico Eric Jacobs. Jacobs tiene un caso extremo de acromegalia, una condición médica de crecimiento óseo descontrolado, y Hastings se pregunta cómo pudo haberse desarrollado un caso así en cuestión de días. Hastings conoce a Stephanie Clayton, la nueva asistente de investigación del profesor Gerald Deemer, empleador de Jacobs. Juntos descubren que Deemer está intentando crear una fórmula que hará crecer animales hasta alcanzar tamaños gigantes como medio para resolver la escasez de alimentos. Luego, a Deemer le inyectan la fórmula de crecimiento y Stephanie ve que él también comienza a desarrollar una espantosa acromegalia. Mientras tanto, una tarántula a la que se le ha inyectado la fórmula escapa del laboratorio y comienza a crecer hasta alcanzar un tamaño gigante, matando ganado y luego personas.
CRÍTICA
Los efectos especiales de la película, que representan animales e insectos gigantes, se adelantaron para el período de mediados de la década de 1950. Se utilizaron animales reales, incluidos un conejo y un conejillo de indias en el laboratorio del profesor Deemer, para representar a sus homólogos gigantes en la pantalla. Se utilizaba una tarántula viva cada vez que se veía a la gigantesca araña moverse. Las miniaturas de rodaje estaban reservadas para primeros planos de su cara y colmillos y para las escenas finales de la araña gigante siendo incendiada por el ataque de napalm del escuadrón a reacción. Las escenas resultantes resultaron más convincentes que las hormigas gigantes utilizadas en la película anterior de Warner Bros. Them!
(1954). El propio Arnold recuerda que él se atribuyó el mérito de la historia. En Dirigido por Jack Arnold (1988), de Dana M. Reemes, el director recordaba cómo su camino de entrada se llenaba de tarántulas una vez al año, lo que le dio la idea de hacer una película. Sin embargo, en otra parte, Arnold declaró en una entrevista de 1983 que se inspiró en el documental de 1948, The Chicken of Tomorrow , que trataba (de una manera bastante inquietante) sobre la cría de pollos agrandados. En la introducción de Tarantula , Arnold recibe un crédito por la historia, pero Fresco explicó que se trataba de una concesión que le permitía (como escritor entonces joven) establecerse en la industria. De esta y de toda la película, Jack Arnold dijo sobre Tarantula: "Decidimos hacer esta película porque, en general, la gente le tiene mucho miedo a las arañas".
El critico Leonard Maltin le otorgó a la película 3 de 4 estrellas, elogiando el ritmo rápido de la película, los efectos especiales y la intrigante subtrama. La llamó "Una de las mejores películas de insectos gigantes". La reseña contemporánea en Variety indicó "Una tarántula tan grande como un granero le da el horror a este programa de ciencia ficción bien hecho, y está escenificado y representado de manera bastante creíble, logrando la premisa inverosímil con un máximo de credibilidad". En Video Movie Guide 2002, los autores Mick Martin y Marsh Potter caracterizaron a Tarantula como "(una) entrada bastante buena en el subgénero de insectos gigantes de las películas de terror y ciencia ficción de la década de 1950". Actualmente tiene una calificación "Fresca" muy positiva del 92% en el sitio web agregador de reseñas de películas Rotten Tomatoes, con una puntuación promedio de 6.3/10, basada en 13 reseñas. La película fue lanzada por primera vez en DVD por Universal Studios el 3 de abril de 2006.
Título Original:Tarántula
Género:Ciencia ficción, Terror
Reparto:John Agar,Mara Corday,Leo G. Carroll
Dirección:Jack Arnold
Año:1955
Duración:80 mn
País:Estados Unidos
Idioma:Español Latino
Calidad Imagen:DVDRip
Formato:AVI
SIPNOSIS
Chise, una chica tranquila e introvertida de secundaria, que está perdidamente enamorada de Shuji, un atleta arrogante y confiado. Ambos van a la misma escuela secundaria en Hokkaido, pero Chise necesita todo su coraje para contarle a Shuji lo que siente por él. Los dos se llevan bien y forman un vínculo fuerte y amoroso, que sólo se intensifica cuando estalla la guerra en Japón. Pero Chise tiene un secreto, uno tan oscuro, tan terrible que puede amenazar no sólo su relación con Shuji, sino también su vida, la de él y el futuro de todo el país. Porque Chise no es una chica común y corriente, es el arma definitiva de destrucción masiva, un cyborg diseñado genéticamente y construido específicamente para uso militar, y cuando va a la batalla infunde miedo en todos los que la rodean, incluidas sus propias tropas.
CRÍTICA
Adaptación a imagen real del anime/manga SaiKano.Alias She, The Ultimate Weapon. El título oficial en inglés es The Last Love Song on This Little Planet, que en realidad es el subtítulo de la película. Entonces, el título japonés real sería Saishu heiki kanojo – La última canción de amor en este pequeño planeta.
La calidad de los efectos especiales no es muy buena , pero no molesta demasiado. Mentiría si dijera que no disfruté ver a una chica de secundaria convertir ciudades en ruinas, volar aviones y salvar a su amiga del trozo de ala que cayó atravesando la pared y luego saliendo del humo y diciendo "Lo siento, Shuu-chan". Eso es entretenimiento decente incluso con los pocos recursos visuales de la pelicula.También encajan un par de efectos cgi muy buenos, probablemente por accidente.
La película está filmada en video digital, lo que le da un aspecto más realista y ligeramente granulado. la banda sonora está muy bien hecha, tanto la música como los efectos de sonido reales. El tema principal es una canción bastante emotiva, y el resto de la música acompaña muy bien la acción.
Titulo Original:Saishû heiki kanojo: The Last Love Song on This Little Planet
Yuki ( Rina Akiyama ) vive con su padre Jiro (Yurei Yanagi) y su madre Kayako (Fumie Nakajima) en Tokio . Sus vidas pacíficas se ven perturbadas cuando un grupo de asesinos mata a Kayako y hiere a Jiro. Yuki busca venganza vistiéndose a la moda de Lolita gótica y matando a los asesinos.
CRÍTICA
Psycho Gothic Lolita fue dirigida por Go Ohara, quien solo habia dirigido una película mas llamada Geisha vs Ninja . Parece trabajar más como coordinador de acción, ya que trabajó en títulos como Oneechanbara: The Movie y Devil May Cry 3 . El director y maestro de efectos especiales de culto Yoshihiro Nishimura ( Tokyo Gore Police y Vampire Girl Vs. Frankenstein Girl) también participó en esta película, aportando talento y añadiendo un toque especial a Psycho Gothic Lolita .
Creo que el mayor atractivo de esta película es la inclusión del equipo de efectos especiales de Yoshihiro Nishimura. Cuando alguien pierde un brazo, esa reconocible cantidad de
sangre bombeada brota de manera cómica. Utiliza efectos prácticos, lo que le da a su trabajo el mismo atractivo que tenían en su época películas como Dead Alive y The Thing . Es un placer ver lo creativo que puede ser.
Psycho Gothic Lolita se destaca de otras películas centradas en el gore al intentar estar más impulsadas por la acción; un crédito al comienzo de Go Ohara como doble de riesgo y director de acción general. Las secuencias de lucha de Psycho Gothic Lolita se vuelven bastante complejas.
Gothic & Lolita Psycho pertenece a un subgénero distinto de entretenimiento de culto que se hace a bajo costo, es rápido y está repleto de sangre deliberadamente excesiva. La gente no recibe disparos ni se desangra; sus cabezas en realidad explotan en una lluvia de sangre y carne, tan exagerada que las únicas respuestas sensatas son poner los ojos en blanco e ir a ver algo respetable o reírse a carcajadas de la tontería de todo. Nishimura es probablemente el director más popular de esta obra a través de películas como Tokyo Gore Police (2008) y Helldriver (2010), y aunque Gothic & Lolita Psycho no es tan exitosa como esas películas, el trabajo de Nishimura aquí en los efectos gore ciertamente eleva su caché de culto en gran medida.
Titulo Original:Gosurori shokeinin
Género:Acción,Terror, Psicologico,Misterio
Reparto:Rina AkiyamaRuito AoyagiAsami
Direccion:Gô Ohara
Año:2010
Duración:87mn
País:Japon
Idioma:Subtitulos Español
Calidad Imagen:DVDRip
Formato:avi
SIPNOSIS
¿A QUÉ LE TEMES? ES SOLO ROCK & ROLL.
Eddie Weinbauer, un adolescente metalero que sufre acoso en la escuela, busca orientación en su ídolo superestrella del heavy metal, Sammi Curr. Cuando Curr muere en el incendio de un hotel, Eddie recibe la única copia del álbum inédito de Curr que, cuando se reproduce al revés, devuelve a Sammi a la vida. A medida que se acerca Halloween, Eddie comienza a darse cuenta de que esto no es sólo rock 'n roll... es vida o muerte.
CRÍTICA
Trick or Treat (también conocida como Ragman and Death a 33 RPM en los mercados extranjeros) es una película musical de terror y comedia estadounidense de 1986 , protagonizada por Marc Price y Tony Fields , con apariciones especiales de Gene Simmons y Ozzy Osbourne . La película se centra en un adolescente metalero marginado que es perseguido por el fantasma de su héroe del rock. Es el debut como director del actor Charles Martin Smith , quien tiene un cameo en la película.
Dirigida por Charles Martin Smith a partir de un guión de Rhet Topham, Joel Soisson y Michael S. Murphey (con un pulido no acreditado del dúo Destino Final formado por James Wong y Glen Morgan), Trick or Treat tiene el siguiente reparto A Marc Price se le unen en el reparto Lisa Orgolini, Doug Savant, Elaine Joyce y Glen Morgan, con el fallecido Tony Fields (1958-2015) como Sammi Curr y apariciones especiales de Ozzy Osbourne y Gene Simmons.
Sería difícil que no le gustara esta película a algun metalhead. Tiene un elenco fuerte y la banda sonora es genial en todos los momentos adecuados y siempre se adapta perfectamente a la acción en pantalla. Marc Price ofrece una actuación creíble como el adolescente rebelde que ha tenido suficiente, pero que aún se niega a cruzar los límites éticos necesarios para mantenerse del lado correcto de su ídolo. El líder de Kiss, Gene Simmons, hace una actuación igualmente buena como el DJ Nuke, con sombrero Stetson, pero solo hace un par de apariciones breves a lo largo de toda la película. Sin embargo, para mí, Tony Fields se roba el espectáculo y luce perfecto como el rockero diabolico Sammi Curr: muerto, pero no olvidado y todavía rockeando con actitud a pesar de que la mitad de su rostro se quemó en el fuego.
Aunque se mantiene un ambiente oscuro durante toda la película, Trick or Treat también es bastante divertida en algunos lugares y la escena en la que el amigo de Eddie, Roger, intenta limpiar los restos incinerados de un profesor de secundaria es digna de una sonrisa solo por la forma determinada en que pasa la aspiradora de un lado a otro sobre la alfombra.
El cantante de Black Sabbath, Ozzy Osbourne, también hace un par de apariciones. Interpreta a un ministro de televisión que critica el contenido sugerente y la obscenidad de la música de Curr. Es extraño ver al autoproclamado príncipe de las tinieblas interpretando a un tipo tan limpio, y hay cierta ironía involucrada porque Ozzy es conocido por arrancarle la cabeza de un mordisco a un murciélago vivo en el escenario y una escena de la película muestra Curr mordiendo una serpiente viva por la mitad, como parte de su rutina escénica. La escena también llama la atención porque posiblemente sea la única que muestra sangre.
Trick or Treat es una película muy entretenida que debería ser de particular interés para cualquiera que tenga buenos recuerdos de la música rock de los años 80.
